(Google による翻訳)エンターテイニング・ミスター・スローン — ヤング・ヴィック、2025年10月~11月8日
これは必ず観るつもりでした。本当に、観ないわけにはいきませんでした。まるで運命のように感じました。エンターテイニング・ミスター・スローンという作品は、何年も前から頭の中でうずうずしていました。ジョー・オートンの作品に初めて出会ったのは、高校3年生のAレベル試験の時でした。演劇学校で初めて取り組んだ舞台で、なんと90年代にまで遡ります!
それから30年?今、ヤング・ヴィックでナディア・フォールの鮮烈なリバイバル公演で再び観劇するというのは、歳を重ねるにつれて、よりダークで、より滑稽で、そしてずっと不穏な存在になった旧友にばったり出会ったような感覚でした。私は、ええと、思い出そうとしていました! 「どこかで会ったような…どこにいたっけ?」と記憶を手探りで辿る。まるで劇中のケンプのように、過去のどこかに閉じ込められたぼんやりとした繋がりを探し求める。
そして、ドカン!と、脚にフォークが突き刺さった。この緻密な作品――魅力が残酷さへと変わり、礼儀正しさは倒錯の仮面に過ぎない。
この劇は、巧みな操作とユーモアの傑作であり、礼儀正しさが何かを覆い隠す様子――どこか、完全に野蛮な何か――(他に言葉が見つからないが)。
オートンの登場人物たちは1960年のタイムカプセルから来たのかもしれないが、彼らの貪欲さ、逃避、そして言い訳は――まさに現代的だ。
ナディアの演出は、コメディと衰退の両方に傾倒しており、なぜオートンの作品が、見る者を勇気づけて常に痛烈な印象を残してきたのかを思い出させてくれる。
隠れる場所なし
円形舞台装置こそが、この作品を真に変化させている。観客が劇を取り囲むため、登場人物たちは隠れる場所などどこにもない。あらゆる嘘、あらゆる欲望や悪意の揺らめきが、共有された視線、共有された経験の下で、まさにそこで露わになるのだ!居心地の悪さに身を委ねよう。「さあ、座って、心地よく過ごしなさい」
しかし、この露出は双方向に作用する。私たち観客も引き込まれ、完全に、いや、まさに共犯者となってしまう。あなたは、向かい側の人物を通して、中心で繰り広げられる残酷さを見つめ、スローンの陰謀、一家の腐敗、そして最終的に彼の静かな最期の恐怖を、罪悪感を抱く傍観者となっていく。
上空では、トラウマで黒焦げになった家具がただ静かに見守っているかのようだ。その古びて擦り切れた縁は、裏切り、欲望、暴力という、繰り返される人間のループを、まるでこれまで何度もこのサイクルを見てきたかのように、証言している。このデザインは、俳優、観客、そして古い家具に至るまで、誰もが息苦しい一つの部屋に閉じ込められてしまう。そこでは礼儀正しさは単なるパフォーマンスに過ぎず、残酷さが共有されている。
そして、照明は生々しく、忘れられない。ストロボの閃光が、まるで懐中電灯が点火するかのように、重要な瞬間を鮮やかに照らし出し、身振りや表情を断片的に凍りつかせる。その効果は催眠術のようだ。閃光の一つ一つが、暴力の瞬間をタイムスタンプのように脳裏に刻み込み、後々のために記憶に焼き付けているようだ。それは、スマートフォンで瞬間を捉えることに執着する現代社会を想起させる。フラッシュが、後から自分を振り返るために、その場を照らし出すのだ。数時間経っても、まばたきをすれば、スローンの顔、キャスの手、そして空中で停止した「ストップモーション」の衝撃が、まだ目に焼き付いている。ストロボのスローモーションのような質感は、劇場を記憶の残響と化し、目撃したものを簡単には忘れられないものにする。
ユーモアは一見軽薄に始まるが、次第に別の何かへと変化していく。操作が深まっていくのを感じるにつれて、笑いは不安なものへと変わっていく。演技はまさにこのトーンの変化によって活気づいている。キャスの母性と純粋な欲望が混ざり合った感情は、不快でありながら、恐ろしく人間的だ。彼女はもう長い孤独に耐えたくないし、エドの自己満足的な道徳的優越感は、彼自身の衝動を隠すための薄っぺらな隠れ蓑に過ぎない。そしてスローンは、被害者と――まあ、悪役という言葉がぴったりだろう――の間で揺れ動いている。
上下に吊り下げられた、焦げたチャコールグレーの家具は、空中でねじれ、緊張しているように見え、下にいる登場人物たちの絡み合い、不快な絡み合いを映し出している。彼らの欲望、恐怖、そして残酷さが、この狭く息苦しい空間に押し込められているのだ。
(原文)
Entertaining Mr Sloane — Young Vic, October - 8th November 2025.
I was always going to see this. Couldn’t not, really—it felt like fate. Entertaining Mr Sloane has been knocking about in my head for a long time, years infact. I first got introduced to Joe Orton’s work in the sixth form while doing my A-levels, and it was the first play I ever worked on at drama school, all the way back in the,- in the 90’s !!
Seeing it again now— 3 ? decades on, in Nadia Fall’s sharp revival at the Young Vic—was like bumping into an old mate who’s gone darker, funnier, and a whole lot more unsettling with age. I found myself trying to, well – remember ! - fumbling through the memory like, “I know you from somewhere... where’s it been again?”—just like Kemp in the play, trying to locate that hazy connection that’s stuck somewhere in the past.
Then boom, it stabbed me like a fork in the leg. This detailed piece —a play where charm curls into cruelty, and politeness is just a mask for perversion.
The play’s sheer masterclass in manipulation and humour, the way good manners just cover up something, - something a bit, absolutely feral. ( for want of another word).
Orton’s characters might be from the 1960 time capsule, but their greed, their evasions, and their excuses for themselves feel, - well, feel current.
Nadia’s direction leans right into both the comedy and the decay, reminding you why Orton’s stuff has always had a bite to it for anyone who dared to look.
Nowhere to Hide
The staging in the round is what really changes it. With the audience encircling the action, there’s absolutely nowhere for the characters to hide—every lie, every flicker of lust or malice, is laid bare right there under the shared glare, the shared experience ! Sit with the uncomfortable. “Sit down dear, make yourself comfortable.”
But the exposure works both ways. We, the audience, are dragged in too, made utterly, well - complicit. You’re looking right through the person opposite to watch the cruelty unfold in the centre, becoming guilty spectators to Sloane’s scheme, the household’s rot, and eventually, to the quiet horror of his end.
Up above, the suspended trauma charred furniture just seems to watch silently, its old and frayed edges bearing witness to this repeating human loop—betrayal, desire, violence—as if it’s seen the whole cycle countless times before. The design traps everyone—actors, audience, and old furniture alike—in a single suffocating room where politeness is just a performance and cruelty is shared.
Then there’s the lighting, visceral, unforgettable. Strobe flashes punch through key moments like a flashlight going off, freezing gestures and expressions in fragmented snatches. The effect is hypnotic: each pulse seems to time-stamp the violence right into your mind, printing it there for later. It makes you think of our modern obsession with catching moments on our phones, a flash illuminating the scene for self-examination later on. Hours later, you can still see the images when you blink—Sloane’s face, Kath’s hands, the shock of the “stop motion” arrested mid-air. The slow-motion quality of the strobe turns the theatre into an echo of memory, making sure what you witness isn’t easily shrugged off.
The humour starts out deceptively light, then gradually shifts into something else—the laughter becoming uneasy as you sense the manipulation getting deeper. The performances absolutely thrive on the tonal shift . Kath’s mix of motherliness and pure lust is uncomfortable yet horribly human; she doesn’t want to endure the long loneliness anymore, Ed’s smug moral superiority is just a flimsy cover for his own urges. And Sloane—hanging between victim and – well villain is the word.
The suspended charcoal grey charred furniture above and around seems to twist and strain in mid-air, echoing the tangled, uncomfortable entanglements of the characters below—their desires, fears, and cruelties squashed together in this tiny, choking space.